Wanderley Andrade – Página: 9 – Revista Algomais – a revista de Pernambuco
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Wanderley Andrade

Crítica| Primeiro Homem

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Ele foi aplaudido de pé por mais de três minutos no Festival de Veneza. Entre os presentes, o cineasta Guillermo del Toro e os atores Christoph Waltz e Naomi Watts. É um dos mais cotados para o Oscar de melhor filme no ano que vem. Quer mais? Foi dirigido por um dos grandes cineastas da nova geração, responsável por obras como Whiplash: Em Busca da Perfeição e La La Land: Cantando Estações, Damien Chazelle. Estou falando do longa Primeiro Homem, que chega aos cinemas nesta quinta. Primeiro Homem acompanha a jornada de Neil Armstrong até o histórico momento em que pisa no solo lunar em 1969. Premissa simples, é verdade, mas trabalhada de forma genial por Chazelle, que entrega ao público uma obra ambiciosa. A trama não se prende tão somente à preparação para a missão, explora também os problemas pessoais de Armstrong, como a dor pela morte da filha de apenas dois anos. O filme proporciona ao público uma inesquecível experiência sensorial. Cada detalhe tem sua importância para a narrativa, nada soa gratuito, principalmente o uso do som ou até a ausência dele em alguns momentos. Podemos sentir isso em cenas como a que o protagonista sai da nave após pousar na Lua. Prepare bem os ouvidos.     Destaco também o bom trabalho de fotografia de Linus Sandgren, que já trabalhou com Chazelle em La La Land. Além das belas imagens do espaço, difícil ficar indiferente aos close-ups dentro das aeronaves. O espectador tem a sensação de estar literalmente dentro da missão. Notícia não muito boa para os claustrofóbicos. Ryan Gosling retoma outra vez a parceria com Damien Chazelle, após protagonizar o musical La La Land, que rendeu ao ator a indicação ao Oscar. Interpretação convincente que provavelmente dará ao ator outra indicação ao prêmio. Quem também está muito bem no longa é a atriz britânica Claire Foy, mais conhecida por protagonizar a série da Netflix, The Crown. No longa ela interpreta Janet, esposa de Armstrong. Bilheterias Primeiro Homem agradou a crítica, mas decepcionou na semana de estreia nos EUA. Orçado em US$ 60 milhões, arrecadou apenas US$ 16,5 milhões. Os outros dois filmes de Chazelle também não foram bem nas suas estreias, mas conseguiram considerável recuperação. La La Land estreou com US$ 9.2 milhões e arrecadou US$ 446,1 milhões no total. Já Whiplash atingiu na estreia a pífia marca de US$ 135 mil, alcançando mais adiante o total de US$ 49 milhões em bilheterias.

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Crítica| Venom

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Nos últimos dias, o filme Venom foi destaque nos principais sites de entretenimento. Menos pela baixa recepção no Rotten Tomatoes, mais pelo ataque que sofreu de um movimento organizado por fãs da Lady Gaga. Isso mesmo que você leu: Lady Gaga. Calma, não é fake news. Saiu na revista Variety que fãs da cantora postaram no Twitter críticas negativas falsas, algumas idênticas (o velho Ctrl+C e Ctrl+V), no intuito de boicotar o filme da Marvel e promover Nasce Uma Estrela, longa protagonizado por Gaga. Confirmada ou não, parece que a estratégia produziu efeito contrário. Nesta quinta (04) aconteceu as pré-estreias e Venom abocanhou numa única mordida (desculpe o trocadilho infame) US$ 10 milhões, bem mais que os “pífios” US$ 3,2 milhões de Nasce Uma Estrela. Estratégias frustradas à parte, hora de analisar o filme da Marvel. Dirigido por Ruben Fleischer da franquia Zumbilândia, Venom chega aos cinemas com uma ingrata missão: conquistar os fãs do Homem-Aranha, que dificilmente deixarão de associar o amigo da vizinhança ao outrora vilão simbionte.     Não considero equivocada a escolha por distanciar Venom do universo atual do herói aracnídeo, ainda que isso represente um risco, levando em conta o número de fãs mais conservadores. A opção poderia abrir um leque de possibilidades para o personagem, sem necessariamente estar preso às amarras das HQs. Poderia. Venom só não é pior que a bomba lançada em 2015, Quarteto Fantástico. A presença de alguns bons nomes no elenco, como Tom Hardy e Michelle Williams dão um alento ao longa, que sofre com um roteiro limitado. Muito ruim e mal construído o arco do simbionte, que chega com o discurso de que destruirá todo o planeta, mas tão rápido quanto devora a cabeça dos adversários, decide ficar por aqui só porque simpatizou com Brock, personagem de Hardy. Uma das cenas pós-créditos (serão duas) indica que uma possível continuação está na agulha. Mas como é de costume na indústria do cinema, isso dependerá da resposta do público, que nem sempre segue a opinião da crítica.

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Crítica| Next Gen (Netflix)

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A Netflix segue na missão de encher o catálogo de produções originais. Sua nova aposta é a animação Next Gen, que acompanha a jornada de uma menina e sua (improvável) amizade com um robô de última geração. Na trama, Mai sente falta do pai, ausente já há muitos anos. Sua mãe, Molly, viciada em tecnologia, vive sempre “no automático” e gasta a maior parte do tempo ao lado de um robô. No filme, eles estão em todo lugar, nas residências, ruas e escolas. É quando entra em cena o robô 7723, que com seu carisma e cuidado mudará profundamente a vida de Mai. Next Gen é uma co-produção EUA, China e Canadá e é dirigido pela dupla Kevin R. Adams e Joe Ksander. Baseado numa HQ chinesa chamada 7723, consegue estar à altura de algumas produções da Pixar, com cenários grandiosos e ricos em detalhes.   Alguns personagens são inspirados em personalidades do setor da tecnologia. O vilão, Justin Pin, é praticamente uma cópia de Steve Jobs, com direito aos trejeitos e mesma popularidade do saudoso CEO da Apple. Tem, inclusive, seu próprio Wozniacki, o Dr. Tanner, mente por trás dos projetos de Pin e criador do 7723. Nomes conhecidos do cinema emprestam suas vozes aos personagens. John Krasinski, diretor e protagonista do excelente Um Lugar Silencioso, dá voz ao robô 7723. Michael Pena, que protagonizou recentemente o longa Extinção, também da Netflix, dubla o cachorrinho Momo, alívio cômico da animação. Next Gen trata não apenas do poder da amizade, mas traz também, nas entrelinhas, forte crítica ao mau uso da tecnologia e como isso pode ser prejudicial às relações. Na ânsia por encher o catálogo de produções originais, a gigante do streaming vinha errando feio em algumas de suas apostas. Mas desta vez, parece que acertou.

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Crítica| O Banquete

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O Banquete, nova aposta da diretora carioca Daniela Thomas, pode ser considerado, no mínimo, ousado. A começar pelo cenário, na verdade, único de todo o filme: uma sala de jantar. Na primeira cena, uma planta carnívora ataca e devora uma mosca: prenúncio do que iremos presenciar mais adiante. Na história, um grupo de amigos está (teoricamente) reunido para comemorar os dez anos de casamento de Mauro (Rodrigo Bolzan), respeitado editor de jornal, e Bia (Mariana Lima), famosa atriz de teatro. Entretanto, Mauro não tem muito a comemorar: poderá ser preso a qualquer momento por publicar no jornal uma carta aberta contra o presidente da república. Soma-se a isso a presença no jantar de sua amante, a crítica de artes do jornal, Maria, interpretada pela paulistana Fabiana Guglielmetti. Na verdade, o jantar serve apenas de pretexto às reais intenções da anfitriã do encontro, Nora (Drica Moraes). A cada prato ou taça de vinho servidos, um novo segredo é revelado, constrangendo os convidados.     O suspense é reforçado pelo competente trabalho de fotografia do peruano Inti Briones, que também trabalhou com Daniela no longa Vazante. A câmera trêmula e sempre muito próxima aos atores transporta o espectador para dentro da cena, ampliando a experiência de tensão e angústia. Soma-se à fotografia a boa trilha sonora, composta por frases de jazz. A proposta de O Banquete é bem parecida com a do filme espanhol Perfectos Desconocidos, disponível na Netflix. A ideia de utilizar uma sala de jantar como único cenário e de fazer do encontro ocasião para tratar, sem pudor, de temas como sexo e traição torna as duas produções bem parecidas. Além dos atores já citados, completam o elenco: Caco Ciocler, como Plínio, advogado alcoólatra, esposo de Nora, Chay Suede, que interpreta o garçom, Ted, Bruna Linzmeyer, no papel de uma stripper, a Batwoman e, por fim, Gustavo Machado, encarnando o colunista gay, Lucky, personagem que traz alívio cômico à história. Polêmica Em setembro do ano passado, num debate no Festival de Brasília, a diretora carioca Daniela Thomas recebeu diversas críticas por Vazante. Alguns a acusaram de retratar com superficialidade a escravidão e os personagens negros no filme. Mês passado, mais um fato relacionado a festivais, desta vez ao de Gramado. O longa O Banquete foi retirado da disputa pela diretora em função da morte de Otávio Frias Filho, Publisher da Folha de São Paulo. A história é inspirada em alguns acontecimentos verídicos corridos na década de 90, entre eles o da carta aberta publicada por Otávio Frias em abril de 1991 contra o então presidente da república Fernando Collor.

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Crítica| Deus Não Está Morto – Uma Luz na Escuridão

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O primeiro semestre de 2018 foi marcante para as produtoras de filmes com temática cristã. Em março, Eu Só Posso Imaginar arrecadou só na semana de estreia nos EUA mais de 17 milhões de dólares, desbancando grandes produções, entre elas, Uma Dobra no Tempo, da Disney. Outro que também fez sucesso foi Paulo, Apóstolo de Cristo: já soma mais de 22 milhões de dólares em bilheterias. E a lista de estreias relacionadas ao segmento cristão só faz aumentar. Com boas expectativas de público, chega aos cinemas, no próximo dia 30, Deus Não Está Morto – Uma Luz na Escuridão.   A primeira cena é exatamente a mesma que encerra Deus Não Está Morto 2: o pastor Dave (David A. R. White) é levado à prisão por não entregar as cópias de seus sermões ao governo. O fato chama a atenção da mídia e da sociedade, que passa a questionar a presença da igreja Saint James dentro do campus de uma universidade estadual. A situação piora quando um incêndio, fruto de um suposto atentado, destrói a igreja, matando o pastor auxiliar Jude (interpretado pelo excelente Benjamin A. Onyango). O roteiro de Howard Klausner e Michael Manson (que também ocupa a cadeira de diretor) explora uma narrativa tradicional, linear, quebrada uma única vez logo no primeiro ato, na sequência que retorna ao passado para explicar a motivação para o ataque à igreja. Mesmo não ousando quanto à narrativa, o roteiro, bem escrito, faz do longa o mais maduro da franquia.   Ao invés de recorrer ao sentimentalismo, tacando uma trilha sonora melosa a cada cena triste ou lágrima que surja na tela, a história segue por caminho oposto: o do bom humor. O principal responsável pelos momentos de alívio cômico é Pearce, advogado e irmão do pastor Dave. A relação, por vezes, tempestuosa da dupla traz à trama as cenas mais engraçadas. Pearce é interpretado pelo ator John Corbett, conhecido por protagonizar a comédia romântica Casamento Grego. Deus Não Está Morto – Uma Luz na Escuridão fecha a trilogia como o melhor da franquia, com uma mensagem de amor e perdão. Tema necessário em tempos marcados por ódio e intolerância, seja ela religiosa ou de qualquer outra espécie.

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Crítica| Mamma Mia! Lá Vamos Nós de Novo

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A espera acabou. Há quase 10 anos, estreava o musical Mamma Mia! – O Filme, com canções tão doces e grudentas quanto chiclete, do grupo sueco de música pop, ABBA. O longa conquistou sucesso estrondoso, ultrapassando a marca de 600 milhões de dólares em bilheterias. Após o longo hiato, chega aos cinemas a tão aguardada sequência, Mamma Mia! Lá Vamos Nós de Novo, prometendo empolgar e, principalmente, emocionar. O tempo passou e Sophie (Amanda Seyfried) finalmente, está de volta. Mais madura, seu maior desejo agora é reinaugurar o hotel em homenagem à mãe, Donna (Meryl Streep). Para isso, receberá a ajuda de Sam (Pierce Brosnan) e, mais adiante, de Harry (Colin Firth) e Bill (Stellan Skarsgård), além das Dynamos, Tanya (Christine Baranski) e Rosie (Julie Walters). A reforma do hotel despertará ecos do passado que trarão consigo lembranças do caminho percorrido por Donna até chegar à Grécia e de como conheceu Sam, Harry e Bill.     A jornada começa com a apresentação do grupo musical Donna & The Dynamos em meio a uma cerimônia de formatura em Oxford. A cena de abertura é uma das mais empolgantes do filme. Lily James interpreta a versão jovem de Donna. Se por um lado não é tão parecida fisicamente com Meryl Streep, por outro, reflete na tela o mesmo brilho e vigor da atriz três vezes ganhadora do Oscar. Protagonista e destaque do primeiro filme, Meryl Streep tem participação discreta na nova produção. Não entrarei em mais detalhes para evitar soltar algum spoiler. Mas o caminho escolhido pelos roteiristas foi, sem dúvida, bem ousado e dividirá opiniões dos fãs. Soma-se ao elenco estelar do primeiro filme o excelente Andy Garcia, aqui encarnando o gerente do Hotel Bella Donna, Fernando Cienfuegos e a cantora Cher, no papel de Ruby, mãe de Donna. Apesar desta não ser uma das melhores atuações de Cher, sua presença dá um toque de sofisticação à trama. Ao lado de Andy Garcia, interpreta uma das mais famosas canções do ABBA, “Fernando”. Surgiram rumores de que mais uma sequência vem por aí. Se depender da vontade dos fãs e do longo repertório da banda sueca, ainda há muita história para contar e cantar.  

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Crítica| Próxima Parada: Apocalipse (Netflix)

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A Netflix segue incessantemente em sua missão de encher o catálogo de produções originais. Às vezes acerta, outras erra feio. Sua mais nova aposta é o filme-catástrofe Próxima Parada: Apocalipse. Dirigido pelo desconhecido David M. Rosenthal, o longa traz no elenco o ganhador do Oscar, Forest Whitaker. E ainda que tenha acertado no bom nome para a composição do cast, a gigante mundial do streaming mais uma vez errou ao trazer uma história carregada de falhas. Após uma catástrofe ambiental de grandes proporções assolar o país, Will (Theo James) terá que cruzar os Estados Unidos com a ajuda do sogro Tom (Forest Whitaker) no intuito de resgatar a namorada grávida Samantha (Kat Graham). A difícil relação entre sogro e genro precisará ficar em segundo plano caso a dupla queira sobreviver aos desafios que surgirão no percurso. A proposta é até interessante e poderia abrir grandes possibilidades para um bom road movie apocalíptico. Mas não é o que acontece.     Próxima Parada: Apocalipse resume-se a um jogo de gato e rato, promovido por personagens que saem da trama tão rápido quanto entraram. Algumas vezes sem explicação, como no caso do suposto policial que passa a perseguir os protagonistas e, logo em seguida, morre sem entendermos muito bem suas verdadeiras intenções. O roteiro, escrito pelo estreante Brooks Mclaren, falha ao não apresentar uma conclusão convincente e nem explicar o que provocou a catástrofe. A escolha poderia funcionar para uma série ou alguma trilogia, pois haveria a possibilidade de solucionar tudo mais adiante em outro episódio ou longa. O caminho escolhido por Brooks resulta num filme incompleto. Mas nem tudo é ruim em Próxima Parada: Apocalipse. A fotografia, guiada aqui pelo finlandês Peter Flinckenberg, é um dos (poucos) pontos positivos. Chama também a atenção os bons efeitos visuais. Destaque para a última cena.

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Crítica| Arranha-Céu: Coragem Sem Limite

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Dizer que Dwayne Johnson é o novo Arnold Schwarzenegger dos filmes de ação não seria um exagero. Basta uma rápida olhada na sua filmografia para perceber isso. Muita testosterona, pancadaria e explosões não podem ficar de fora. Uma boa história, às vezes, sim. Seu novo filme, Arranha-Céu: Coragem Sem Limite, que estreia na quinta (12), é uma prova disso. Dwayne Johnson interpreta o veterano de guerra e ex-líder da operação de resgate do FBI, Will Ford. Ele se afasta da função após perder uma perna durante uma missão, passando a trabalhar como especialista em segurança de arranha-céus. Indicado por um antigo amigo para fazer a vistoria de um edifício na China, conhecido como o mais alto do mundo, Will se depara com um ataque terrorista, que ameaça não apenas a moderna construção, mas também sua família.     Arranha-Céu: Coragem Sem Limite é dirigido por Rawson Marshall Thurber, que já trabalhou com  Dwayne Johnson no filme Um Espião e Meio. Marshall também é responsável pelo roteiro, bem ruim, por sinal. A começar pelos diálogos que, de tão sofríveis, parecem tirados de algum best-seller de autoajuda, com pérolas como “você precisa do medo para ter coragem”. Algumas cenas destoam do conjunto e dão a impressão de que foram forçadamente “enxertadas”. O elenco também não ajuda muito, a começar por Dwayne Johnson que, apesar do carisma, segue no automático interpretando ele mesmo. Outro nome que pode ser citado é o de Neve Campbell, conhecida por protagonizar a franquia de sucesso Pânico. Aqui ela encarna Sarah, mulher de Will. Sua personagem é de grande importância para o desfecho da história.     As sequências de ação, planejadas a princípio para mexer com os nervos do público e prender a atenção, provocam, ironicamente, efeito contrário. O excesso de situações improváveis e soluções inverossímeis enfraquecem a trama e distanciam o espectador. Cenas que insultam a inteligência como a que mostra o protagonista pulando de um guindaste até o edifício em chamas ou recorrendo a artifícios no melhor estilo Macgyver para se pendurar e saltar de um lado a outro do prédio (usando até fita adesiva). Arranha-Céu: Coragem Sem Limite aponta para a seguinte questão: grandes explosões, efeitos especiais de última geração e muita pancadaria em detrimento de uma boa história são suficientes para lotar cinemas? Em muitos casos sim, mas também é possível entreter e conquistar grandes bilheterias com blockbusters de qualidade. Basta ver os recentes Pantera Negra, Vingadores: Guerra Infinita e até Jumanji: Bem-Vindo à Selva, com o próprio The Rock, longas que conquistaram crítica e público. Confira o trailer

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Cinema da Fundação exibe terror brasileiro “As Boas Maneiras”

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A francesa Cahiers du Cinéma, umas das mais respeitadas publicações sobre cinema do mundo o chamou de “bela surpresa brasileira”. Ganhou o prêmio especial do júri no 70º Festival de Locarno, na Suíça, e cinco no Festival do Rio, entre eles, os de melhor longa de ficção segundo júri e crítica. O filme em questão é o excelente As Boas Maneiras, da dupla Juliana Rojas e Marco Dutra, obra que chega esta semana ao Cinema da Fundação. Na história, Clara, uma enfermeira da periferia é contratada por Ana para ser babá de seu filho, ainda por nascer. A relação, antes apenas profissional, transforma-se em romance. Mas a vida de Clara não será mais a mesma quando se encontrar com o bebê de características bem peculiares.     Ao ver As Boas Maneiras é difícil não lembrar de alguns clássicos do gênero como Um Lobisomem Americano em Londres, de John Lands, principalmente nas cenas em que o protagonista Joel (Miguel Lobo) se transforma na fera. As empresas francesas Atelier 69 e Mikros Image foram as responsáveis pelos efeitos mecânicos do bebê lobisomem e os digitais. Outra técnica de efeitos visuais encontrada no longa é a que junta imagem filmada e pintada, conhecida como matte painting. Ela foi muito utilizada em clássicos do passado, como Os Pássaros, de Alfred Hitchcock e Mary Poppins, da Disney. Franquias mais recentes de grande sucesso também recorreram à técnica, como O Senhor dos Anéis e Star Wars. As Boas Maneiras também tem atuações marcantes. Marjorie Estiano convence ao encarnar Ana, trazendo um misto de sensualidade e mistério, necessários à trama. A paranaense ganhou o prêmio de melhor atriz coadjuvante no Festival do Rio por sua atuação. A atriz portuguesa Isabél Zuaa interpreta Clara. Sua personagem começa tímida, mas ganha força e destaque a partir da segunda parte do filme. O Cinema da Fundação exibe As Boas Maneiras nesta terça (03) e na quarta (04), às 17h40 e 19h40, respectivamente.   http://cinemadafundacao.com.br/filmes/as-boas-maneiras/

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“Jurassic World: Reino Ameaçado”: franquia retorna com carga maior de terror

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Em 2015, Jurassic World: O Mundo dos Dinossauros marcou a retomada da franquia de sucesso idealizada por Spielberg lá no começo da década de 90. O longa, dirigido por Colin Trevorrow, trouxe de volta o clima e a empolgação do primeiro filme, Jurassic Park (1993), recebendo elogios de público e crítica. Após três anos de hiato, estreará no dia 21 de Junho, Jurassic World: Reino Ameaçado, mais um capítulo dessa história que vem lotando salas de exibição há mais de duas décadas. Trevorrow dá lugar na direção ao espanhol Juan Antonio Bayona. O diretor tem no currículo o terror O Orfanato e o sombrio e belo Sete Minutos Depois da Meia-Noite. Bayona traz para Jurassic World: Reino Ameaçado essa carga de terror, fazendo deste o filme mais tenso da franquia. A história mostra o retorno de Owen (Chris Pratt) e Claire (Bryce Dallas Howard) à Ilha Nublar. A dupla seguirá com uma equipe para resgatar os dinossauros do lugar, que está para ser engolido pela lava de um vulcão em erupção. Mas por trás da missão há uma trama sinistra que poderá mudar drasticamente o destino desses animais e da humanidade.     Jurassic World: Reino Ameaçado retoma sequências clássicas das produções anteriores: quem não lembra da corridinha básica ao lado dos répteis gigantes? Desta vez a fuga é instigada pelo calor da lava do vulcão. A perseguição resulta em um resgate dentro do mar envolvendo a famosa esfera motorizada – uma das cenas mais tensas do longa. Surgem novos personagens: a representante do núcleo infantil, a doce Maisie Lockwood (Isabella Sermon), Zia Rodriguez ( Daniella Pineda), ativista e paleo-veterinária e Franklin Webb (Justice Smith), analista de sistemas do Grupo de Proteção aos Dinossauros, pivô dos momentos mais engraçados do filme. Sem soltar spoilers, adianto que a sequência final aponta para uma nova fase, abrindo um leque de novas possibilidades para a franquia. Não poderia ser diferente. Se conseguirá sustentar-se por mais tempo, só o tempo e o interesse do público poderão responder.  

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